Etéreo. Tangible. Lúdico. A primera vista, impenetrable. Fresco pero esencial. Siempre en movimiento… Es lo que me emociona del arte conceptual. Siempre me asombra su capacidad de desmontar lenguajes y discursos clásicos, que quizás no conozcamos tan bien pero que en cierta medida nos inundan y ahogan.
Con el arte conceptual se regresa a apreciar y querer elementos básicos del arte, pero ¡saz!, no sólo del arte sino de la vida y del entorno. Estoy hablando de palabras tan evidentes que hemos dejado de prestarles atención: la materia en sí, la textura en sí, la geometría en sí, el color en sí… Y todas las combinaciones que entre ellos puedan lograr.
Estas cosas me quedaron claras cuando me acerqué a las vanguardias brasileñas: la obra te sorprende y saca una sonrisa porque su primer discurso, y muchas veces el único, es un mensaje de extrañamiento ante esos aspectos: imaginen que traen una roca de Venus o un pedazo de madera de Saturno (si existiera, jaja) y los colocaran en medio de la sala de exposición… Es esa sensación, pero con materia que nos es absolutamente cotidiana. Súbitamente, la madera desborda sus límites y es otra cosa: se transfigura; entonces, puedes ver lo bello y único de esa presencia. Por eso Duchamp firmó un inodoro y Magritte dijo «ceci n’est pas une pipe».
Estas posibilidades que ofrece el arte contemporáneo son valiosísimas, pero por lúdicas y por provocar disturbios en nuestra acostumbrada forma de mirar…
En esas cosas andaba divagando mientras que en el recorrido a medios andábamos las salas del segundo y primer piso del Munal, donde se desenvuelve la muestra Por los siglos de los siglos. Exposición matérica con la colección del Museo Nacional del Arte, del artista mexicano Bosco Sodi (D.F., 1970).
En el recorrido estuvo presente el mismo Sodi, la directora del museo, Sara Baz, y el equipo curatorial de las colecciones de arte virreinal y del siglo XIX. La historia de la exposición es la siguiente: Sodi seleccionó aproximadamente 40 piezas de su trabajo y las propuso a los curadores del Munal, quienes en un reto y experimento museístico se encargaron de identificar los elementos esenciales compartidos entre sus colecciones y la obra de Sodi. Así surgió esta exposición, que al final se conformó por 21 obras contemporáneas en diálogo y paralelismo con pinturas barrocas y del paisajismo de José María Velazco, entre otras. Permanecerá abierta hasta el 5 de noviembre y los domingos es de entrada libre.
Uno de los ejercicios que más me sorprendió de la muestra contrastaba el color y su intención en Cristo en la cruz, siglo XVII y La incredulidad del Santo Tomás (ambas obras de Sebastián López de Arteaga), con la pieza Sin título, 2013, de Sodi ―aunque también relacionaba la textura del agrietamiento con un agrietamiento no dicho, proveniente del interior del cuadro―.
Ahora les transcribo la pequeña entrevista que hice al artista al final del recorrido y en la que se expresa sobre la exhibición del Munal.
En la exposición, logré identificar conceptos como materialidad o textura, conceptos que permanecen en el arte a través del tiempo, ¿pero cuáles podrías tú agregar?
BS: Bueno… Movimiento, por ejemplo, en el caso del cuadro rojo, la pieza que sale a un lado del dragón… Eso es una cosa que yo no vi cuando me presentaron el proyecto curatorial, porque no había visto las dos piezas juntas.
[También puedo mencionar] luz… Platicamos mucho del paso del tiempo de la patina, el color, la materia.
¿Qué podrías decir acerca de los conceptos generales del arte contemporáneo?
BS: Es que hay mil conceptos. Yo te puedo hablar un poco de mi obra que está basada en la idea del accidente, muy influenciada en la filosofía wabisabi, en la cual el no control, el paso del tiempo, la patina, el trabajar con los materiales orgánicos te llevan a una identidad, una cosa única, no repetible y que va más allá de lo humano y más hacia lo natural, lo fuera de la conciencia, la dualidad.
A propósito de las obras que mencionaste que a partir del accidente fueron tomando identidad, ¿cuál fue su proceso de creación?, por ejemplo, de la obra azul.
BS: Bueno… La pintura azul: trabajo en horizontal y voy adhiriendo materia y cuando veo la primera craquelación (proceso de agrietamiento) en ese momento paro y dejo que la obra se vaya por sí sola; entonces, trabajo siempre con materia muy líquida en la cual los jugos de la misma materia se van mezclando, revolviendo hasta que se observa la primera craquelación y cuando está el primer indicio de una grieta dejo que la pintura se vaya por sí sola, que tenga su propia personalidad y que vaya más allá del artista. La gente identifica mi obra conmigo, pero realmente es muy lejana a mí en el sentido de que trato de tener el menor control posible al hacerla.
¿Podrías agregar algo acerca del proceso de las texturas?
BS: Es parecido, es trabajar con materia en procesos orgánicos en la cual la misma quema de los cubos, el secado, por ponerte un ejemplo, va creando ciertas texturas y ciertos colores para cada cubo.
Cierro esta reseña con una de las ideas que más me emocionó de la obra de Sodi: en el recorrido a medios, hizo constante referencia a la propia organicidad de la obra, a su propia vida, en el sentido de que al terminarla la “suelta” y es muy probable que no volverá a tener cierta especie de control sobre de ella, dando oportunidad a que la interpretación que en un primer momento se le daba, cambie, y generando así una abertura y capacidad de resignificación para ésta. En Por los siglos de los siglos… fue justamente lo que se experimentó.
Por Mayra Gricelda Gutiérrez López
Fotografías de INBA y Studio Bosco Sodi
